Nuit Blanche 2025
L’ARMÉE DES BRISES-LAMES

Aurélie Deguest
Parvis de la Mairie du 19ème

Samedi 7 juin 2025 / 20h – Minuit

Une installation imaginée par l’artiste Aurélie Deguest.

Pour cette édition 2025 de Nuit Blanche, l’artiste propose un projet qui prend la forme d’une installation et d’un spectacle pour plonger au cœur d’une expérience en immersion acoustique face à l’urgence climatique où l’art et la nature se rencontrent pour rappeler la fragilité de notre monde.

Simulation installation- © Aurélie Deguest

À l’occasion de cette édition 2025 de Nuit Blanche, Aurélie Deguest a présenté à la mairie du XIXe devant le parc des Buttes Chaumont, une installation participative pour nous rappeler l’urgence à agir face au réchauffement et aux catastrophes climatiques, et à l’élévation du niveau de la Mer et des Océans qui accélèrent devant le dérisoire de nos efforts pour inverser les courbes.

Une installation faite d’un écran géant en télés récupérées qui diffuse un film sur la furie des Océans et des flots avec des déferlantes de vagues qui viennent submerger 2 rangées de 12 brise-lames imprimés 3D en plastique translucide 100% recyclé et 100% recyclable qui se remplissent d’une eau teintée de pigments naturels bleue évoquant l’élévation inexorable des niveaux de la Mer et des Océans et protégent une batterie de vélo où le public était invité à venir pédaler pour s’opposer à la montée de l’eau dans les brise-lames.

Une ambiance musicale à la hauteur de l’urgence climatique, des alarmes lorsque les niveaux dépassent les limites, de la brume pour évoquer le flou ne nos réponses Sociétales et des cornes de brumes pour nous rappeler qu’il est temps de prendre conscience : un public engagé qui s’est pris au jeu dans une météo très Malouine.

Cet événement a été rendu possible grâce au soutien de la Mairie du XIXe et de ses services, aux équipes d’Olivier Brière que nous remercions tous pour leur engagement au nom de la Fondation Loo & Lou pour l’Art Contemporain, sous l’égide de la Fondation de Luxembourg qui a accompagné l’évènement. 

Nuit Blanche 2024 / Mémoire de l’écho

Conciergerie de Paris

1er juin 21h

Mémoire de l’écho est le titre choisi pour la monstration qui réunit le travail d’Assoukrou Aké, Vincent Cardoso et Bastien David à la Conciergerie lors de l’édition 2024 de Nuit Blanche. Les trois artistes alors résidents à la Casa de Velázquez de Madrid ont noué des liens artistiques au fur et à mesure d’une année d’échange et de vivre-ensemble, se traduisant par la proposition d’un parcours atypique mêlant les préoccupations plastiques et conceptuelles de chacun.

Mémoire de l’écho / Nuit Blanche 2024, La Conciergerie

Le Métallophone, nouvel instrument de musique imaginé par le compositeur Bastien David est composé de 216 lames d’acier sur un clavier circulaire. Installé et activé à quatre reprises par les percussionnistes de la compagnie du compositeur, il résonnera au sein de la Conciergerie dans un ballet gestuel et sonore.

L’écoute singulière de notes extrêmement rapprochées procure une sensation de mouvement presque aquatique, une sonorité liquide venant faire écho aux sculptures de l’artiste Vincent Cardoso dont l’une, Main, représente un fluide qui file entre des doigts. Ses articulations monumentales et surréalistes nous rapprochent au plus près de la matière, où le regard affleure la peau. Sensation de vibration par la couleur, jeu d’échelle et appréhension de l’espace sont autant de caractéristiques du travail du sculpteur, présentes également dans sa deuxième installation: une parcelle de Forêt composée de magnolias géantes, faisant osciller notre perception entre imaginaire et réalité. Ces pièces, maintenues par des structures volontairement visibles nous renvoie directement à l’idée d’un décor.

Nuit Blanche 2024 / Photo Aurea Calcavecchia

Nuit Blanche 2024 / Photo Aurea Calcavecchia

Nuit Blanche 2024 / Photo Aurea Calcavecchia

Nuit Blanche 2024 / Photo Aurea Calcavecchia

Les jeux d’échelle et de matière répondent également à l’installation d’Assoukrou Aké, Sinueux Acier et Voiles Blanches, dont les tubes d’acier, bien que rigides et industriels, sont transformés en représentations de la nature organique, symbolisant notre capacité à trouver de l’harmonie entre les mondes construits et naturels. Ces lianes artificielles seront le support de voiles blanches, rappels visuels des messages, des pensées et des désirs que nous envoyons dans l’éther, espérant qu’ils soient reçus, compris, et répondus.

La musique jouera un rôle fondamental dans cette proposition artistique multidisciplinaire puisque la matière sonore viendra dialoguer avec l’architecture gothique de la salle des Gens d’Armes de la Conciergerie, dessinant sous ses voûtes croisées d’ogives un parcours entre les différentes œuvres. De la note minimale –presque indicible–, aux sculptures amplifiées en passant par des courbes organiques, le projet Mémoire de l’écho est une traversée vibrante, visuelle et collective.

Commissariat : Claude Bussac / Casa de Velázquez et Bruno Blosse / Fondation Loo & Lou pour l’art contemporain.

L’événement s’est tenu le 1er juin 2024 à 21h à la Conciergerie, 2 Boulevard du Palais, 75001 Paris

Un projet soutenu par la Fondation Loo & Lou pour l’art contemporain, placée sous l’égide de la Fondation de Luxembourg, et réalisé en partenariat avec la Casa de Vélazquez, Académie de France à Madrid et la Conciergerie et le Centre des Monuments Nationaux.

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LA FONDATION LOO & LOU

10 ANS D’ENGAGEMENT POUR L’ART CONTEMPORAIN

Photo libre de droit @ JCDecaux

La Fondation Loo&Lou célèbre ses 10 ans d’engagement pour la création artistique et le développement durable. Depuis sa création, elle s’investit dans des initiatives qui redonnent du sens et contribuent au mieux vivre ensemble.

Convaincue que l’art contemporain est un vecteur puissant pour recréer du lien, la Fondation Loo&Lou soutient des projets qui permettent de découvrir des artistes, defavoriser l’accès à l’éducation et à la connaissance, de faciliter l’expérience de la création artistique et de soutenir les vocations aux carrières de l’art.

À l’occasion de ses 10 ans d’existence, la Fondation Loo&Lou a participé à la Nuit Blanche 2023 avec l’exposition de Lydie Arickx à l’Eglise Saint Severin le samedi 3 juin 2023. Deux autres expositions, soutenues par la Fondation, fêtent aussi cet anniversaire. La première exposition, consacrée à Johan Van Mullem, a lieu aux Beaux-Arts de Bruxelles jusqu’au 23 juillet 2023. La seconde exposition, dédiée à Flo Arnold, se tiendra aux Constellations de Metz du 22 juin au 2 septembre 2023.

Au cours des 10 dernières années, la Fondation Loo&Lou s’est engagée dans des actions éducatives et sociales importantes. Parmi ces actions, nous pouvons citer le programme « Art Freak », qui a lieu chaque année depuis maintenant 11 ans au Musée d’Art moderne de Luxembourg. Destiné aux adolescents, ce workshop offre une approche différente de la pédagogie habituelle des musées, permettant aux jeunes de découvrir l’art de manière ludique et intéractive.

La Nuit Blanche est également un moment fort pour la Fondation Loo&Lou, qui participe pour la 11ème année consécutive à cet événement artistique et culturel incontournable de la vie parisienne. Pour la Fondation Loo&Lou, la Nuit Blanche est bien plus qu’un simple événement artistique, c’est un moment de poésie, de rencontre et d’aventure humaine.

La Fondation Loo&Lou est fière de ses réalisations des 10 dernières années, et reste plus que jamais engagée à soutenir les initiatives qui permettent de promouvoir la création artistique et le développement durable.

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Nuit Blanche 2023 / Installation de Lydie Arickx

Église Saint-Séverin, Paris 5

Samedi 3 juin 2023

Nuit Blanche 2023

Nuit Blanche 2023 / Installation de Lydie Arickx © François Benichou-Mahé

Nuit Blanche 2023 / Installation de Lydie Arickx © François Benichou-Mahé

Nuit Blanche 2023 / Installation de Lydie Arickx © François Benichou-Mahé

Nuit Blanche 2023 / Installation de Lydie Arickx © François Benichou-Mahé

Nuit Blanche 2023 / Installation de Lydie Arickx © François Benichou-Mahé

Les voiles de Véronique

L’artiste française Lydie Arickx, peintre et sculptrice contemporaine, propose dans l’église une installation de bandes de papiers japonais très fins (Kozo) sur 10 mètres de haut, tout en transparence, peints au charbon végétal et aux pigments naturels. Ces très grands voiles jouerons sur la légèreté et la fluidité de la matière avec la verticalité de Saint-Séverin. Entre résilience et élévation, le sujet symboliserait l’arbre de vie, l’harmonie et le lien entre les éléments terrestres et la spiritualité, l’alliance du corps et de l’esprit. 

L’Arbre de vie. 

Pour la sculpture installée sur le parvis de Saint-Séverin, l’artiste utilise le chêne comme base, pour prolonger les parties coupées en papier japonais kozo enduit de résine transparente éclairé de l’intérieur. Les coupes et les manques font jaillir la lumière et sont symboles de vie. La thématique du voile est reprise permettant à l’artiste de faire ce rappel à l’extérieur de l’église avec une dimension transcendantale qui évoque symboliquement la résurrection. Le chêne est vivant sur la partie haute et sera fleuri au mois de juin. 

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Drapeau Blanc / Georges-Pascal Ricordeau

Une installation réalisée à l’occasion de Nuit Blanche 2022 et sélectionnée dans la catégorie « Projets spécial 20 ans Nuit Blanche »

Samedi 1er octobre 2022 / Église Saint-Paul Saint-Louis

NUIT BLANCHE 2022, PARIS

« Un drapeau blanc flotte. L’espace d’un instant, l’artiste Georges-Pascal Ricordeau installe à nouveau une parenthèse blanche faite de liens et de réflexions sur la vanité des hommes… »

De la Pax Humana à la Pax Gaia

Après avoir fait voyager autour du monde ce « Drapeau Blanc », tel une flamme de paix, tel un espoir nomade, et traverser certaines places emblématiques des grandes villes (Tien’ an men, la place Rouge) dans les mains de l’actrice américaine Daryl Hannah, et après avoir exposé ce drapeau de 12 m2 à la Nuit Blanche de 2013 dans la cour de l’Hôtel Lamoignon avec un crâne de grande dimension, l’artiste Georges-Pascal Ricordeau propose d’exposer une version augmentée de ce drapeau qui, avec le temps, 10 ans, a pris de l’ampleur, et qui atteint maintenant 40 m2.

Performance chantée de Romain Dayez
Captation dessinée sur le vif de l’artiste Joël Person
Commissariat Bruno Moretti et Bruno Blosse

Drapeau blanc – Église Saint-Paul Saint-Louis © Loo & Lou Gallery

Pour ce nouveau projet, le drapeau s’installe au cœur de l’église Saint-Paul – Saint-Louis comme un signal d’un temps en détresse et pour cristalliser le besoin d’une prise de conscience collective. Il nous indique qu’il est nécessaire de s’arrêter, de poser une trêve pour penser le monde et ce qu’il est devenu 10 ans après.

Signe de ralliement, le drapeau blanc, l’ancien emblème de la France, évoque à la fois le désir de cesser le feu des images, des violences, des conflits et le souhait d’une humanité plus encline aux liens et aux partages. Ce pavillon blanc redevient le temps d’une nuit, tel un écho amplifié, la bannière des utopistes rêvant d’un monde plus libre, d’une écoute plus raisonnée et d’une résonance nécessaire. Pour quitter ce monde d’accélération, le philosophe Harmut Rosa propose d’entrer « en résonance avec autrui, avec la nature », de « renouer avec nos cordes de résonance. ».

Ce rectangle est toujours un rectangle blanc sur fond noir, sur le fond noir de nos servitudes volontaires. Il devient 10 ans après, après avoir grandi, après avoir doublé de volume, un écran potentiel où pourront se lire nos dérives négatives et nos espoirs. Il se lèvera devant le Chœur de l’église comme un paravent vivant et flottant venant contrer la violence du monde.

Le drapeau blanc de Ricordeau agit donc comme un miroir du monde actuel fait de ces sacs plastiques tressés issus de toutes les cultures qu’il a rencontré à travers ses nombreux voyages.

« Un drapeau blanc flotte. L’espace d’un instant, l’artiste Georges-Pascal Ricordeau installe à nouveau une parenthèse blanche faite de liens et de réflexions sur la vanité des hommes…

De la Pax Humana à la Pax Gaia

Après avoir fait voyager autour du monde ce « Drapeau Blanc », tel une flamme de paix, tel un espoir nomade, et traverser certaines places emblématiques des grandes villes (Tien’ an men, la place Rouge) dans les mains de l’actrice américaine Daryl Hannah, et après l’avoir exposé dans le cadre de Nuit Blanche 2013 dans la cour de l’Hôtel Lamoignon (Bibliothèque historique de la Ville de Paris), l’artiste Georges-Pascal Ricordeau propose 10 ans après une version augmentée de son oeuvre.

Drapeau blanc – Église Saint-Paul Saint-Louis © Bruno Blosse

Si « le blanc agit sur notre âme comme un silence », comme le souligne Vassily Kandinsky, le drapeau blanc peut en effet signifier un silence visuel positif, constitué optiquement par l’ensemble des couleurs, tel un phare futur, lumineux dans la nuit, qui permettrait d’éviter les dérives négatives des hommes, et les dangers de la guerre, des violences permanentes, des désastres écologiques.

Histoires multiples du monde tressé

Georges-Pascal Ricordeau s’est emparé de la tresse à l’aube des années 2000. Objet absolu, fini et infini, l’esthétique de la tresse de l’artiste nous lie et nous transporte vers un ailleurs qui nous relie au rythme de ses réalisations. L’installation de ce drapeau blanc durant cette nouvelle nuit blanche de 2022 générera d’autres liens.

Le drapeau blanc est tressé d’histoires multiples, de rencontres, de situations, d’expériences singulières.
C’est la question du temps, du passé, du présent et du futur, que nous dévoile au final ce drapeau ouvert. Le choix des sacs plastiques est un acte politique qui interroge le rapport des hommes avec la production industrielle qui polluent les environnements. Ces sacs sont des dangers pour la biodiversité animale notamment dans les mers et les océans où ils créent des ravages sur la faune et la flore.

Ce nouveau drapeau blanc de 30 m2 sera réalisé à l’aide de ces sacs en polyéthylène d’origine pétrolière qui ne peuvent pas se biodégrader dans la nature, récoltés dans les différents pays que l’artiste a parcouru. Ces points noirs de l’écologie moderne, Georges-Pascal Ricordeau les détournent de leur fonction de rebut plastique. L’artiste s’implique dans une éthique du développement durable du déchet et sublime cette matière plastique en proposant des installations esthétiques afin que nous nous interrogions sur notre rapport à la Terre

–Lionel Dax, Historien de l’Art

Drapeau blanc – Église Saint-Paul Saint-Louis © Bruno Blosse

Drapeau blanc – Église Saint-Paul Saint-Louis © Bruno Blosse

Drapeau blanc – Église Saint-Paul Saint-Louis © Bruno Blosse

Drapeau blanc – Église Saint-Paul Saint-Louis © Bruno Blosse

 

Direction artistique associée : Bruno Blosse et Bruno Moretti

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Instant Karma
Jean-Julien Pous

Une projection mapping sur la façade de la Mairie du 3ème arrondissement
animation, son

Samedi 2 octobre 2021
20h – 2h

Mairie de Paris Centre
2 Rue Eugène Spuller
75003 Paris

Jean-Julien Pous / Instant Karma

Dans son ouvrage Where Does the Dust Itself Collect?, XuBing nous dit :

– Corps, arbre de la Bodhi ; cœur, écrin du miroir lumineux. Frotter encore et encore, sans faire naître de poussière. S’il n’existait rien au départ, d’où naîtrait la poussière ?

Ici Jean-Julien Pous évoque grâce aux peintures de Line Oshin, à l’animation de Maria Blowers et à la musique d’Audrey Poujoula, son attachement profond à son pays natal (la Chine), la moiteur de l’été, les odeurs de fleurs et de pourriture, exaltées par la chaleur du port parfumé, des rencontres fortes et fondatrices. Cet arbre, symbole de longévité et d’immortalité dans l’hindouisme et le bouddhisme, possède un excellent feng shui. Il prend vie grâce aux ibis à crête, aux stournes bronzés et chauves-souris qu’il abrite.

Projeté sur la mairie de Paris Centre, son réseau complexe de racines, tels des milliers de longs doigts ridés, évoque de manière charnelle l’histoire complexe, douloureuse et interconnectée d’une population qui se compte en milliards. En continuité avec la nature environnante du square du Temple – Elie Wiesel, il est comme une fenêtre ouverte sur l’autre côté du miroir : le chant du cygne d’une nature sauvage que nous avons tari et qui nous mord.

Réalisation : Jean-Julien Pous
Peintures : Line Oshin
Animation : Maria Blowers
Musique : Audrey Poujoula
Samples : Francisco López
Soutien : Fondation Loo & Lou, placée sous l’égide de la Fondation de Luxembourg
Commissariat : Bruno Blosse
Projection : Magnum

Contact presse : atridon@communicart.fr

Attrape Lune
Sarah Trouche

Un projet réalisé à l’occasion de Nuit Blanche 2020 / Samedi 3 octobre 2020
Entre l’Observatoire de Paris et le Musée des Arts et Métiers

Une performance déambulatoire écrite et mise en scène par Sarah Trouche en collaboration avec les danseurs de sa compagnie : Giuditta Di Cataldi, Diane Magre, Louise Breuil, Simona Test, Gaia Garatti, Federica Manciagli.

Sarah Trouche / Attrape Lune

Attrape-Lune Une performance déambulatoire écrite et mise en scène par Sarah Trouche en collaboration avec les danseurs de sa compagnie : Giuditta Di Cataldi, Diane Magre, Louise Breuil, Simona Test, Gaia Garatti, Federica Manciagli.

« Le 4 avril dernier via les réseaux sociaux, j’ai lancé un appel à collaboration. Cet appel en confinement a été lancé en quelques minutes lors de la pleine lune afin que l’on partage autre chose que notre virus. J’ai reçu plus de 950 photographies de la Lune, émanant de points de vue confinés. Au même moment, je réalisais moi-même un autoportrait. Cette année si particulière amorce un renouveau possible. Cette performance Attrape-Lune permet une projection de lumière associant habitant territoire architecture. »

Attrape-Lune vous propose de revivre cette expérience du partage de la lumière à travers le mouvement du corps. Attrape-Lune utilise l’objet de miroir comme outil pour mettre en lumière le patrimoine, les habitants et l’architecture. En collaboration avec six danseuses de sa compagnie ; Sarah Trouche met en scène un ballet de lumière et de réflexions qui prendront place en itinérance dans les rues de Paris.

Cette performance a été écrite afin de nous rappeler que nous partageons quelque chose de précieux : notre humanité quels que soient les regards, les origines ou nos quartiers.

Sarah Trouche souhaite parler d’une forme de résistance, résistance grâce à la lumière.

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Attrape Lune
Sarah Trouche

Un projet réalisé à l’occasion de Nuit Blanche 2020 / Samedi 3 octobre 2020
Entre l’Observatoire de Paris et le Musée des Arts et Métiers

Une performance déambulatoire écrite et mise en scène par Sarah Trouche en collaboration avec les danseurs de sa compagnie : Giuditta Di Cataldi, Diane Magre, Louise Breuil, Simona Test, Gaia Garatti, Federica Manciagli.

Sarah Trouche / Attrape Lune

Attrape-Lune Une performance déambulatoire écrite et mise en scène par Sarah Trouche en collaboration avec les danseurs de sa compagnie : Giuditta Di Cataldi, Diane Magre, Louise Breuil, Simona Test, Gaia Garatti, Federica Manciagli.

« Le 4 avril dernier via les réseaux sociaux, j’ai lancé un appel à collaboration. Cet appel en confinement a été lancé en quelques minutes lors de la pleine lune afin que l’on partage autre chose que notre virus. J’ai reçu plus de 950 photographies de la Lune, émanant de points de vue confinés. Au même moment, je réalisais moi-même un autoportrait. Cette année si particulière amorce un renouveau possible. Cette performance Attrape-Lune permet une projection de lumière associant habitant territoire architecture. »

Attrape-Lune vous propose de revivre cette expérience du partage de la lumière à travers le mouvement du corps. Attrape-Lune utilise l’objet de miroir comme outil pour mettre en lumière le patrimoine, les habitants et l’architecture. En collaboration avec six danseuses de sa compagnie ; Sarah Trouche met en scène un ballet de lumière et de réflexions qui prendront place en itinérance dans les rues de Paris.

Cette performance a été écrite afin de nous rappeler que nous partageons quelque chose de précieux : notre humanité quels que soient les regards, les origines ou nos quartiers.

Sarah Trouche souhaite parler d’une forme de résistance, résistance grâce à la lumière.

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HYBRIDATION

Une performance écrite par Olivier de Sagazan

Mise en scène, Olivier de Sagazan
Interprêtes, Leila Ka et Alexandre Fandard

NUIT BLANCHE 2019

Samedi 5 octobre
Les Voûtes
Paris 13ème

LE SECRET DES SIGNES
FLO ARNOLD

NUIT BLANCHE 2018, PARIS
SAMEDI 6 OCTOBRE

Eglise Saint-Paul-Saint-Louis, Paris 4ème

Video et musique Taïs Bean

Vue de l’installation Coexistence, Eglise des célestins, Avignon

Photo Eric Legrand

© Fondation Loo & Lou

© Fondation Loo & Lou

Détail de l’installation Vertige du monde, Loo & Lou Gallery, L’Atelier @ Loo & Lou Gallery

Les sculptures de Flo Arnold flottent dans des espaces qui ouvrent à la pensée, à la spiritualité, au voyage intérieur. Cette installation créée pour la Nuit Blanche 2018 à Paris s’inscrit dans une démarche de transformation, de circulation des cultures que l’artiste a nommé « No boundaries ». Flo Arnold développe ses formes dans des espaces qui amènent au recueillement, pour libérer une parole d’ouverture, de voyage et de rencontre par delà les frontières et les différentes cultures qu’elle traverse et qu’elle traversera. Après ses nombreuses réalisations telles que Leïla, Co-existence, Le Vertige du Monde, son nouvel opus Le secret des signes est une forme organique et complexe, tissée de métal et de papier, de lumières et de sons, une forme qui rappelle la fumée ou un nuage qui part du sol et qui s’élève vers les cieux, une étrange beauté qui se délivre de la pesanteur, tel un rêve poétique… Le secret des signes, c’est également cette faculté de se comprendre dans l’acceptation d’une altérité contre toutes les fermetures idéologiques. Sans connaître le langage de l’autre, sa culture, la rencontre sera toujours possible : les gestes, les regards, les attitudes, les rituels sont des langages qui reposent sur un silence qui connecte les corps dans les espaces. A travers cette installation, Flo Arnold tente une rencontre interactive avec cette forme qui semble nous parler mais dont chacun des visiteurs décodera le message en fonction de sa culture et de ses expériences intérieures. C’est une oeuvre ouverte à de multiples interprétations, une forme statique mais qui évoque le mouvement ascensionnel et vivant. La sculpture devient une forme vivante qui se transforme en fonction des lieux qu’elle habite et des situations qu’elle met en scène.

Vue de l’installation Vertige du monde, Loo & Lou Gallery, L’Atelier @ Loo & Lou Gallery

Les pensées sur les formes d’art d’Henri Focillon dans La Vie des formes conviennent parfaitement au projet de Flo Arnold : « L’oeuvre d’art est une tentative vers l’unique, elle s’affirme comme un tout, comme un absolu, et, en même temps, elle appartient à un système de relations complexes. Elle résulte d’une activité indépendante, elle traduit une rêverie supérieure et libre, mais on voit aussi converger en elle les énergies des civilisations. (…) Elle plonge dans la mobilité du temps, elle appartient à l’éternité. Elle est particulière, locale, individuelle, et elle est un témoin universel. (…) Ainsi s’accumule autour de l’oeuvre d’art la végétation luxuriante dont la décorent ses interprètes, parfois au point de nous la dérober tout entière. Et pourtant son caractère est d’accueillir tous ces possibles. » Cette mobilité des regards propulsée par la forme lumineuse de Flo Arnold qui commence son ascension, rappelle le mouvement de la sculpture grecque et baroque, telle le voile d’une nymphe qui s’élève, drapé de mémoires, tel un souffle puissant vers l’autre, pour libérer la parole à travers la fibre sensible du monde. L’artiste honore de sa forme déployée l’architecture du choeur de l’église Saint Paul – Saint Louis.

– Lionel Dax

Interview de Florence Arnold / Donia Hachem, Luxe Radio, 16 juin 2017:

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UNE ILE SUR UN PONT
LIONEL SABATTÉ

NUIT BLANCHE 2017 PARIS
SAMEDI 7 OCTOBRE

Pont Saint Louis, Paris 4ème

© Fondation Loo and Lou

© Fondation Loo and Lou

Une île sur un pont est un ensemble de figures humaines entremêlées issues d’une nouvelle série du projet Human condition (2016), qui prennent place au centre du pont SaintLouis. Pour Brancusi, «c’est la texture même du matériau qui commande le thème et la forme qui doivent tous deux sortir de la matière et non lui être imposés de l’extérieur». Lionel Sabatté, qui s’est fait connaitre pour son utilisation des rebuts du quotidien (ongles, poussière, peaux mortes, etc.), est dans cette lignée. Il puise dans l’essence et la symbolique des matériaux qu’il sélectionne pour construire son univers narratif. De la matière inerte surgit ainsi l’architecture des corps. Constituées de matériaux de construction urbains – ferraille, béton auxquels se mêlent fibres végétales, épices et pigments-, ses figures au caractère inachevé, brouillent la frontière entre les vivants et les morts dans une temporalité indéfinie.

© Fondation Loo and Lou

© Fondation Loo and Lou

Entrelacs de lignes telles les figures surgissantes d’un dessin de premier jet, les sculptures ajourées dialoguent dans la nuit avec les bâtiments alentours dont quelques joyaux de l’art gothique. L’ensemble de ces silhouettes longilignes forment une tribu inconnue au cœur de Paris, un îlot sur ce pont emblématique reliant deux îles. Une composition en abîme qui révèle le passage de l’inerte au vivant, comme une humanité en devenir, une humanité à construire.

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COTE 15,28 :
L’AMOUR DÉBORDE
PIERRE DELAVIE

NUIT BLANCHE 2016, PARIS
SAMEDI 1ER OCTOBRE, 19H À 5H

Facade de la Conciergerie
2 boulevard du Palais, Paris 1er

Photo libre de droit © Pierre Delavie

Photo libre de droit © Pierre Delavie

Photo libre de droit © Pierre Delavie

Photo libre de droit © Pierre Delavie

Photo libre de droit © Pierre Delavie

Pour la 15e Nuit Blanche Parisienne dont le thème est un « voyage initiatique » autour de l’amour, l’artiste français Pierre Delavie transforme la façade de la Conciergerie.

« Depuis 2013, La Fondation Loo & Lou présente chaque année des projets dans le cadre de Nuit Blanche à Paris. Elle soutient des artistes français et internationaux dans des projets d’installations monumentales imaginées pour cette nuit féérique dédiée à la création contemporaine. Pour cette édition 2016, la Fondation est particulièrement heureuse d’accompagner l’artiste Pierre Delavie dans un évènement qui fait partie du parcours officiel.

Acteurs engagés du développement durable et de la responsabilité sociale, nous sommes convaincus que dans un monde fait de déséquilibres et de ruptures qui engendrent des pertes de liens et de références, la Création et l’Art Contemporain sont deux vecteurs puissants pour recréer du lien, redonner du sens et contribuer au mieux vivre ensemble.

Pierre Delavie à travers cette œuvre nous invite à réfléchir à notre futur commun dans un monde qui change. »

@ JCDecaux

@ JCDecaux

« Ce thème de l’eau qui monte, qui déborde, me touche particulièrement car il superpose dans notre esprit, la crue de cet hiver qui nous a tous marqués et le dérèglement climatique qui nous attend. La référence à l’embarquement pour Cythère et à l’amour me paraissait…couler de source, et suggère une manière plus positive de voir les choses », précise Pierre Delavie.

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KIM JUNGMAN

AU MUSÉE CERNUSCHI

Musée des arts de l’Asie de la Ville de Paris
Samedi 3 octobre de 20h à minuit. Entrée libre. Prolongation jusqu’au 18 octobre 2015

NUIT BLANCHE 2015, PARIS

Kim Jungman, Pillars of East, 260 cm X 468 cm, Zhangjiajie, China, 2013

Kim Jungman, Pilgrim Yellow Mountain, 260 cm X 468 cm, China, 2014

Réalisation Taïs Bean

Vidéo KJM par Marco Tessiore

KIM JUNG-MAN 김중만, 金重晩

Né en 1954 à Ch’ŏrwŏn (Cheorwon)

La jeunesse de Kim Jung-Man est marquée très tôt par le dépaysement et un déplacement du regard. Adolescent, il suit en effet son père médecin jusque dans les banlieues rurales du Burkina Faso. Dans cette ancienne colonie française, il commence à apprendre en autodidacte la langue de Molière, ce qui lui permet peu après de rejoindre l’Hexagone. Il étudie la peinture à l’Ecole nationale supérieure des arts décoratifs de Nice entre 1974 et 1977. C’est pendant ce cursus qu’il découvre et commence également à pratiquer la photographie. Cette technique devient dès lors sa forme d’expression privilégiée et lui vaut une reconnaissance presque immédiate. Il remporte ainsi en 1979, lors de sa participation aux rencontres internationales de la photographie d’Arles, un prix récompensant les jeunes talents.

La carrière de photographe de Kim Jung-Man est marquée depuis par l’errance et a conduit cet artiste à parcourir tous les continents à la recherche de ses sujets. L’Afrique, à laquelle le lient sa jeunesse, mais aussi l’espoir paternel de voir ses créations servir ce continent, a notamment retenu régulièrement son attention, qu’il s’agisse de produire des clichés d’animaux sauvages, d’immortaliser des paysages ou d’organiser des opérations humanitaires.

Toutefois, c’est en Corée, où il revient s’installer en 1988, qu’il réalise l’essentiel du travail qui le rend célèbre et incontournable dans le domaine de la photographie commerciale et de la photographie de mode. Il devient rapidement le portraitiste privilégié des grandes célébrités issues des industries culturelles de la péninsule. Sa maîtrise des compositions, son goût du détail, son appétence pour les poses sobres ainsi que pour l’emploi privilégié d’un noir et blanc chaleureux et élégant mettent ainsi en valeur plusieurs générations de chanteurs et d’acteurs.

En 2006, Kim Jung-Man rompt avec cette situation confortable et réoriente radicalement sa carrière pour la consacrer à une production artistique déconnectée du système de commandes dans lequel lui et son atelier, le Velvet Underground Studio, évoluent. Ce virage professionnel s’accompagne de la volonté nouvelle d’explorer une identité coréenne et asiatique, que ce soit sur le plan technique, par exemple par le tirage des clichés sur papier de mûrier hanji, ou thématique. En témoignent de manière particulièrement forte la série des hanbok et celle intitulée East.

Lors d’une séance de photographie de mode, Kim Jung-Man découvre l’attrait qui se dégage de ses modèles vêtues d’un habit féminin traditionnel (hanbok). Cette révélation de la beauté, qui fut celle de générations de femmes, de mères et de grand-mères coréennes, le bouleverse. Il s’emploie dès lors à magnifier la dimension esthétique et poétique de cette tenue, mais aussi à en explorer la sensualité, et parfois l’érotisme. Ce travail s’inscrit délibérément dans la continuation et l’exploration d’un passé autochtone, comme le soulignent parfois l’emploi de tons sépia et les références récurrentes aux peintures volontiers licencieuses de Sin Yunbok 신윤복, 申潤福 (vers 1758-après 1813).

Les panoramas de East, monumentaux par leur taille et leur style, constituent, quant à eux, un travail centré sur la définition d’un paysage extrême-oriental. Celle-ci passe pour partie par l’immortalisation de multiples lieux majeurs d’une culture géographique, spirituelle et esthétique largement partagée dans cette région du monde. Elle est enrichie par la réinterprétation de la tradition picturale chinoise, japonaise et coréenne. Kim Jung-Man, ancien peintre, parvient en effet à superposer à la réalité physique des lieux photographiés les strates successives de leurs interprétations plastiques et à inscrire ainsi ses sujets dans la lignée d’une tradition artistique dont il est, parmi d’autres, l’héritier.

Maël Bellec
Conservateur du département arts graphiques
et archéologie chinoise
Musée Cermuschi, Musée des arts de l’Asie
De la ville de Paris

Promenade, 184cm x 140cm, 2014

Promenade, 184cm x 140cm, 2014

Costume of Wind, 184cm x 128cm, 1996

Mademoiselle Yukyung, 180cm x 135cm, 2011

« HANBOK »

Kim Jungman travaille sur cette série depuis plus de dix ans. C’est en plein shooting pour la maison Chanel avec des mannequins vêtus de hanboks, qu’il prend conscience que ce vêtement traditionnel constitue la véritable image de la Corée. Sous la dynastie Lee (1392-1910), les rois coréens ont imposé un confucianisme drastique.

Chacune des classes de la société coréenne était reconnaissable par sa façon de porter le hanbok traditionnel, notamment à l’occasion des mariages et des funérailles. Au-delà de la photographie de mode, Kim Jungman explore, la complexité et la diversité de ce costume traditionnel en le confrontant au monde contemporain et en immergeant le spectateur dans l’histoire de la Corée.

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PLANET

UNE INSTALLATION DE MATTHIAS CONTZEN ET PHILIPPINE LEROY-BEAULIEU

Musique originale de Sven Meyer et John Hassell le samedi 4 octobre 2014, de 20h30 à 4h du matin à l’église saint-Paul-saint-Louis.

NUIT BLANCHE 2014, PARIS

© Bruno Blosse

Les cultures traditionnelles du monde entier ont développé leur récit mythologique de la création de l’univers. La voix et le souffle y sont féconds.

Le travail de Matthias Contzen s’intéresse à ce moment où la conscience devient matière, ses sculptures tentent de saisir « l’instant d’après » du souffle de vie qui les voit surgir du néant.

« La beauté d’une œuvre illumine le monde. Cependant cette lumière n’est que le pâle reflet de la beauté absolue, et l’artiste est celui qui révèle cette beauté au monde.

L’œil du visiteur est invité à se fondre avec l’œuvre et son créateur afin de découvrir qu’il n’est que lumière » Matthias Contzen

© Taïs Bean

© Matthias Contzen

Dans le cadre de Nuit Blanche 2014, Matthias Contzen et Philippine Leroy-Beaulieu présentent Planet, une installation visuelle et sonore qui nous invite à plonger dans le moment où la conscience devient matière.

Autour d’une planète archétypale en dentelle de marbre blanc, le sculpteur Matthias Contzen et sa complice Philippine Leroy-Beaulieu, proposent de nous immerger dans un univers sonore, rendu visible grâce à des projections cymatiques, des mandalas dansants, formées dans l’eau, qui prennent forme grâce à la vibration de la musique jouée en live par Sven Meyer et John Hassell dans la nef de l’église Saint Paul-Saint Louis.

Une version contemporaine des premiers mots de la genèse : « Au commencement était le verbe… ».

Commissaire : Bruno Blosse

© Matthias Contzen

© Taïs Bean

Image et montage: Taïs Bean

LE DISPOSITIF

Au centre de la nef de l’église Saint Paul-Saint Louis, la planète de marbre blanc aux reflets rosés de Matthias Contzen, tourne lentement sur elle même, baignant dans la lumière laiteuse d’une aube nouvelle.

Sur le mur du chœur, derrière l’autel, un tulle suspendu accueille la projection cymatique. Le son qui a mis au monde la planète forme des mandalas dansants au rythme de la musique jouée par les deux musiciens présents dans la nef, qui se relayent toute la nuit autour du Cymascope, afin que la vibration primordiale ne s’arrête qu’au petit jour.

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DRAPEAU BLANC

UNE INSTALLATION DE GEORGES-PASCAL RICORDEAU
MUSIQUE ORIGINALE DE CAROL ROBINSON ET STEVE SHEHAN

Le Samedi 5 octobre 2013, de 19h à 4h du matin À la Bibliothèque historique de la ville de Paris.

NUIT BLANCHE 2013, PARIS

© Jean-Claude Wouters

« Un drapeau blanc flotte sur la ville. L’espace d’un instant, l’artiste Georges-Pascal Ricordeau installe une parenthèse blanche faite de lien et de générosité. Une trêve d’émotion et de plaisir… »

L’artiste Georges-Pascal Ricordeau sculpte des formes à partir de sacs plastiques, glanés au gré de ses déplacements, qu’il tresse jusqu’à en faire disparaître le support. Dans le cadre de Nuit Blanche 2013, l’artiste présente deux formes qui lui sont chères, le drapeau et la vanité. Après avoir fait voyager son « Drapeau Blanc » dans le monde entier1, tel une flamme de la paix, un espoir nomade, l’artiste en propose une version monumentale hissée dans la cour de l’Hôtel Lamoignon, à laquelle fait écho une vanité de grande dimension.

© Olivier Jacquet

© Olivier Jacquet

Signe de ralliement, tel un if, une question ouverte, un « si c’était autrement… », le drapeau blanc, ancien emblème de la France, évoque à la fois le désir de cesser le feu des images, des violences, des conflits et le souhait d’une humanité plus encline aux liens et aux partages.

Ce pavillon blanc avec son crâne comme une ombre portée symbolique devient, le temps d’une nuit, la bannière des utopistes rêvant d’un monde plus libre, d’un humanisme retrouvé. Ce drapeau n’a rien de naïf et ne verse pas dans l’angélisme. Il souhaite juste réunir, relier, faire vibrer le désir d’une humanité moins habitée par la haine et la destruction. C’est un rectangle blanc sur fond noir. Le « Drapeau Blanc » de Ricordeau agit donc comme un miroir des espoirs du monde fait de ces sacs plastiques tressés issus de toutes les cultures qu’il a rencontrées à travers ses nombreux voyages.

© Olivier Jacquet

© Olivier Jacquet

© Olivier Jacquet

Image et montage: Jean-Claude Wouters

Si « le blanc agit sur notre âme comme un silence », comme le souligne Vassily Kandinsky, le drapeau blanc peut en effet signifier un silence visuel positif, tel un phare futur, lumineux dans la nuit, qui permettrait d’éviter les dérives négatives des hommes, et les dangers de la guerre, des violences permanentes, des désastres écologiques.

Direction artistique et suivi de production : Bruno Blosse et Bruno Moretti

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UN DEGRÉ PLUS HAUT

UNE INSTALLATION DE DOMINIQUE LACLOCHE
MUSIQUE ORIGINALE DE CAROL ROBINSON ET STEVE SHEHAN

Le Samedi 5 octobre 2013, de 20h à 4h du matin
À l’église Saint-Paul-Saint-Louis

NUIT BLANCHE 2013, PARIS

© Jean-Claude Wouters

Dans le cadre de Nuit Blanche 2013, l’artiste plasticienne Dominique Lacloche présente « un degré plus haut », une installation in situ, composée de quarante-deux sculptures s’élevant vers le haut de la coupole de l’église Saint-Paul- Saint-Louis. Créées à partir de feuilles de Gunnera Manicata1 qui sont au cœur de la production de l’artiste, ces sculptures délicates, élaborées à partir de résine, sont suspendues en spirale au-dessus du transept.

Telles un mobile, les immenses feuilles, dépouillées de leur matière organique, se meuvent dans l’espace, oscillant lentement sous l’influence de l’air.

Dominique Lacloche travaille l’intervention dans l’espace, et questionne, par là, les notions de dimension et, plus largement, de perception.

Chacun de ses travaux, véritables expérimentations sans cesse renouvelées, bouleverse le rapport entre l’œuvre, son lieu d’exposition et le spectateur. Avec « un degré plus haut », elle interroge, une fois encore, le concept d’espace, en vue d’en transformer la perception et, par conséquent, l’expérience. Elle explore ici, de façon très aboutie, l’inter-influence de l’installation et de son environnement, et donne à voir une œuvre qui, en faisant corps avec l’architecture de la coupole de l’église Saint-Paul-Saint- Louis, tant d’un point de vue formel que conceptuel et symbolique, envahit l’espace, l’habite, le restructure.

© Jean-Claude Wouters

© Jean-Claude Wouters

Dominique Lacloche s’intéresse aux échelles, aux mesures. « un degré plus haut » en témoigne, et met le spectateur à l’épreuve de la dimension. Au fur et à mesure qu’il avance dans la nef et se rapproche de l’installation, il l’appréhende sous divers angles, mesurant peu à peu son immensité, sa majesté.

Avec cette installation, l’artiste entend créer des « zones », invitant le spectateur à une véritable expérimentation de ses modes de perception.

Photographie, photosynthèse, ombres portées, la lumière est à l’origine même de la pratique artistique de Dominique Lacloche. Processus de révélation de l’œuvre, on la retrouve, déclinée à l’infini, dans l’ensemble de sa production, telle un leitmotiv. Une fois encore, elle est au cœur d’« un degré plus haut ».

La mise en lumière des quarante-deux sculptures joue un rôle primordial dans cette installation suspendue, faite de mouvements et de superpositions.

© Jean-Claude Wouters

© Jean-Claude Wouters

© Vanessa Julliard

© Vanessa Julliard

© Vanessa Julliard

© Florent Schwartz

Image et montage: Jean-Claude Wouters

Par le truchement de la lumière, l’artiste transforme son installation, la sublime. Tout en faisant disparaître l’objet, le support, le matériau, la lumière révèle l’émergence de formes nouvelles. Dans « un degré plus haut », la lumière fait œuvre. Dominique Lacloche donne à voir un tout, l’œuvre et son ombre.

L’atmosphère sombre et feutrée de l’église, favorable à l’émergence de clair-obscurs, constitue un cadre idéal à la contemplation et à la rêverie. Installation multimédia et multi-sensorielle, à la fois visuelle et sonore, « un degré plus haut » procède par immersion, et invite le spectateur à une déambulation à travers l’environnement mystérieux, onirique, créé par l’artiste.

Directeur artistique du projet : Bruno Blosse

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